Ein Weg, wie Architektur zur Versöhnung beitragen kann, ist die sichtbare und sinnvolle Einbindung der Kultur der First Nations in unsere gebaute Umwelt.
„Was aus den Wolken wird“ von Megan Cope im Heritage Lanes. Lichtdesign: Carl Grey.
Seit Jahrhunderten spielt die Kunst der Aborigines eine zentrale Rolle bei der Überlieferung von Geschichten und Wissen über das Land – von der Kartierung von Wasserquellen und Nahrungsquellen im Busch bis hin zur Weitergabe von Schöpfungsgeschichten der Ahnengeister. Seit bis zu 60.000 Jahren dient die Kunst dazu, Erinnerungen wachzuhalten und zum Nachdenken anzuregen, wodurch moralische Lehren und Erzählstränge über Generationen hinweg bewahrt werden.
Von ockerfarbenen Höhlenmalereien bis hin zu zeitgenössischen Wandgemälden an Gebäudefassaden – die reiche Tradition der Aborigines, Geschichten durch Kunst zu erzählen, lebt bis heute weiter.
Von First Nations geleitete öffentliche Kunstprogramme sind nur eine der Möglichkeiten, wie wir die Perspektive der First Nations in Architekturprojekte einfließen lassen können. In diesem Artikel stellen wir Projekte vor, die durch ihre Kunstprogramme der First Nations erheblich bereichert wurden.
Namatjiras unverwechselbare Farbpalette prägte die Innenausstattung der „Journey Beyond“-Waggons. Abbildung: „Palm Valley“ von Albert Namatjira, Aquarell, 1940. Mit freundlicher Genehmigung der Art Gallery NSW
Bei der Neugestaltung der Gold-Premium-Wagen von „Journey Beyond“ ließ sich Woods Bagot von der Vielfalt der australischen Kultur und Landschaft inspirieren und orientierte sich dabei an den Landschaftsbildern des Arrente-Malers Albert Namatjira (1902–1959).
Das Designteam ließ sich von Namatjiras Darstellungen der Landschaft Zentralaustraliens inspirieren – von seiner lebendigen Wiedergabe der Farben des Outbacks bis hin zur Erhabenheit und Ehrfurcht, die seine Darstellungen von Ghost Gums und hügeligem Gelände ausstrahlen.
Die Farbpalette der Zugwaggons ist an Namatjiras Werke angelehnt – vom Silber des Eukalyptus bis hin zu den Rottönen der Erde. Sein einzigartiger Umgang mit Licht und Schatten spiegelt sich in den maßgeschneiderten Teppichen wider, die mit den helleren Papierrinden-Tönen der bequemen Sitze harmonieren.
Die Polster sind mit Motiven der Aborigines verziert, wobei „Terra“ von Durrmu – ein zeremonielles Punktmuster-Design von Kathleen Korda – in die Sitzbänke der Lounge und die Sitzgelegenheiten im Restaurant integriert wurde.
Erfahren Sie mehr über die Gold-Premium-Fahrzeuge von Journey Beyond.
„Was aus den Wolken wird“ von Megan Cope. Fotografie und Lichtgestaltung links: Carl Grey.
Die aus Quandamooka stammende Künstlerin Megan Cope greift auf Archive und historische Karten zurück, um öffentliche Dokumente über indigenes Wissen zu schaffen. Foto: Trevor Mein.
In der Gasse im Erdgeschoss des „Heritage Lanes“ in der Ann Street 80 in Brisbane nutzt die aus Quandamooka stammende Künstlerin Megan Cope Archivmaterial und historische Karten, um öffentliche Dokumente über indigenes Wissen zu schaffen.
Ihre Arbeit für Heritage Lanes erinnert an den Bach, der früher durch das Gelände floss; heute leitet er die Besucher durch die Gasse, während über ihnen an der Decke eine Skulptur aus Glas und Licht schwebt.
„What Becomes of the Clouds“ verdeutlicht die Kraft des Wassers durch eine Skulptur aus Glas und Licht, die sich wellenförmig von der Decke herabzieht. Auf dem Boden zeichnet ein gewundener Messingfaden den Verlauf des Baches auf einer Lithografie von Brisbane aus dem Jahr 1863 nach und lenkt so den Publikumsfluss durch die Gasse.
In ihren Kunstwerken setzt sich Cope häufig mit Themen rund um Identität, Geografie und Sprache auseinander und stützt sich dabei auf historische Quellen, darunter koloniale Karten von Australien.
Das Werk enthält Digitaldrucke, die Copes handgemalte Aquarellverläufe zur Geltung bringen.
Dieses Werk dient als öffentliches Dokument, das die Sichtweisen und die Beziehung der indigenen Bevölkerung zur Umwelt einbezieht.
Erfahren Sie mehr über Heritage Lanes.
Dr. Bancrofts Werk ist eine zeitgenössische Darstellung der Verbundenheit mit dem Land und steht symbolisch für die vielen Schöpfungsgeschichten, die über Generationen hinweg überliefert wurden.
Am Hauptbahnhof von Sydney, einem großen Verkehrsprojekt von Woods Bagot, schmückt ein imposantes Kunstwerk aus Ziegelsteinen der Bundjalung-Künstlerin Dr. Bronwyn Bancroft die Fassade zweier Gebäude am Gleis 14.
Das großformatige Werk trägt den Titel „Time Travellers“ und zeigt schlangenartige Motive, die symbolisch für eine der vielen Schöpfungsgeschichten stehen, die im Laufe der Zeit überliefert wurden.
„Meine Vision ist es, die Gefallenen zu ehren, die zur Erde zurückgekehrt sind, sowie die Schichten von Vorfahren, die unter der heutigen Welt Sydneys liegen“, erklärte Dr. Bancroft in ihrem Künstlerstatement.
„Sich vorzustellen, wie Stämme und Sippen aus dem Gebiet der Gadigal in ihren Kanus durch die Korridore der Zeit paddeln, ist ein episches Bild. Die Würdigung dieser Zeit in unserer gemeinsamen Geschichte war für mich bei der Entstehung dieses Werks von größter Bedeutung.“
John Prentice, Projektleiter für den Hauptbahnhof und Partner bei Woods Bagot, erklärt, dass das Kunstwerk in die Architektur eingebunden ist und dazu beiträgt, den Bahnhof mit seinem historischen und kulturellen Kontext zu verknüpfen.
Dr. Bancroft erklärte, ihr Konzept sei das Ergebnis „eines lebenslangen Forschens über die verschiedenen Ebenen der menschlichen Existenz und die molekularen Bestandteile der DNA der alten australischen Ureinwohner“ entstanden.
„Die Gänge und Bahnsteige des Hauptbahnhofs sind Gemeinschaftsräume, in denen sich viele verschiedene Menschen aus vielen verschiedenen Ländern aufhalten“, schrieb sie.
„Das spirituelle Konzept hinter ‚Time Travellers‘ basiert auf meiner Überzeugung, dass unsere Ältesten unsere Wegweiser sind und uns einen sanften Übergang ermöglichen, wenn ihnen Respekt entgegengebracht wird.
„Der Tunnelbau und die Erdarbeiten im Land müssen das Unsichtbare der Stadt würdigen, nämlich das indigene Australien.“
Erfahren Sie mehr über Dr. Bancrofts Kunstauftrag für den Hauptbahnhof.
An jedem der fünf Bahnhöfe wird eine Reihe von grafisch gestalteten Oberlichtern von Marcia McGuire und Penelope Forlano zu sehen sein.
Zwölf lokale und Noongar-Künstler wurden beauftragt, 19 öffentliche Kunstwerke für die fünf neuen Bahnhöfe der METRONET-Strecke Morley–Ellenbrook zu schaffen. Alle fünf Bahnhöfe wurden von Woods Bagot entworfen, und nach seiner Fertigstellung wird das Projekt die bislang größte Kunstsammlung darstellen, die im Rahmen eines METRONET-Projekts in Auftrag gegeben wurde.
Die Strategie für öffentliche Kunst zielt darauf ab, die einzigartige Umgebung jedes Bahnhofs zu würdigen und die Noongar-Kultur sowie die Verbundenheit mit dem Land zu präsentieren.
An jeder der fünf Stationen werden die Oberlichter von Marcia McGuire und Penelope Forlano mit Grafiken versehen, die speziell auf die Konzepte der indigenen und nicht-indigenen Identität des jeweiligen Ortes zugeschnitten sind.
Erfahren Sie mehr über das Programm für öffentliche Kunst bei Morley Ellenbrook.
Dieses 2 m x 8 m große Wandbild mit dem Titel „ALWAYS“ enthält den Titel als versteckten Text, der in die Komposition eingearbeitet ist.
Woods Bagot hat im Jahr 2020 die Innenausstattung des Büros von Gilbert + Tobin in Melbourne fertiggestellt.
Das Unternehmen fördert seit langem die herausragenden Leistungen und die Innovationskraft zeitgenössischer indigener Künstler durch seine firmeneigene Kunstsammlung, wobei der Schwerpunkt auf Werken aufstrebender indigener Künstler aus ganz Australien und den Torres-Strait-Inseln liegt.
Für die Büroeinrichtung in Melbourne beauftragten der Bauherr und der Architekt den interdisziplinären Kamilaroi-Künstler Reko Renni mit der Gestaltung eines Kunstwerks für den zentralen Empfangsbereich. Das Wandbild bildet das Herzstück des Empfangsbereichs, wobei die Innenarchitektur auf das Kunstwerk Bezug nimmt, indem einige der Farbnuancen in die Polsterstoffe integriert wurden.
In seinen Werken setzt sich Renni mit persönlichen und politischen Erzählungen auseinander, die er durch die Brille seines Aborigine-Erbes betrachtet, und behandelt dabei auch übergeordnete kulturelle Themen wie Macht, Identität, Erinnerung und Geschichte.
Rennies unverwechselbare Bildsprache lotet eine hybride Form umstrittener Gegensätze aus – sichtbar und unsichtbar, öffentlich und privat, urban und traditionell –, um eine Diskussion über kulturelle und soziale Sichtbarkeit im zeitgenössischen Umfeld anzuregen.
„Camouflage nutzt die Anfälligkeit der visuellen Wahrnehmung und ihre subjektive Beziehung zur Bedeutung aus. Meistens versucht sie, das Sichtbare unsichtbar zu machen, indem sie unsere Augen verwirrt und die Kunst der Tarnung einsetzt“, sagt Rennie.
„Das Werk spielt mit verschiedenen Musterebenen, Farbverläufen und kontrastierenden Bereichen von Intensität und Flächigkeit, um die traditionelle Rolle der Tarnung auf den Kopf zu stellen. Mein Einsatz von Tarnung zielt darauf ab, meine Identität zu verstärken, anstatt sie zu verbergen, und meinen Anspruch auf eine strahlende, prägende Form kultureller Sichtbarkeit geltend zu machen.“
Erfahren Sie mehr über den Arbeitsplatz bei Gilbert + Tobin.
Die „Pou“ (Säulen) von Potini und Ngatai stehen im Außenatrium und an anderen markanten Stellen innerhalb der Te Hāpua Lanes.
Woods Bagot plant ein Bauprojekt über dem Bahnhof Te Waihorotiu / City Rail Link in Auckland sowie ein Stadterneuerungsprojekt.
Um die kulturelle Ausrichtung des Standorts zu prägen, hat das Projektteam drei Māori-Künstler beauftragt, das Symphony Centre in seinen spezifischen kulturellen Kontext einzuordnen.
„Während des gesamten Entwurfsprozesses haben wir an mehrerenHui(Versammlungen) teilgenommen und uns mitIwi (Maori-Gruppen/Stämmen) über das Projekt ausgetauscht“, sagt Joseph Crowe, Associate bei Woods Bagot. „In Zusammenarbeit mit Mana Whenua (lokale kulturelle Verwaltungsgruppe) wurden für das Projekt Maori-Künstler beauftragt, die Werke für das Gebäude und den öffentlichen Raum schaffen werden.“
Die Fassade des Waitāheke/Symphony Centre wird aus glasfaserverstärktem Beton in Farbtönen gestaltet, die an den lokalen Waitematā-Sandstein angelehnt sind. Ein „Poutama“-Muster – ein stufenförmiges Reliefmuster, das vom lokalen Künstler Graham Tipene entworfen wurde – wird in die vertikalen Lamellen der Gebäudefassade eingearbeitet. Die reliefierte Fassade ist so konzipiert, dass sie im Laufe des Tages abwechslungsreiche Lichtmuster erzeugt.
Tipene arbeitet im öffentlichen Raum gemeinsam mit den Künstlerkollegen Maaka Potini und Ted Ngataki mit LandLAB zusammen, wobei er die Schöpfungsgeschichte der Māori einfließen lässt und auf die vorkoloniale Geschichte des Ortes als Feuchtgebiet für das Volk der Tāmaki Makaurau Bezug nimmt.
Erfahren Sie mehr über das Symphony Centre.
Das „Poutama“-Muster von Graham Tipene wird in die vertikalen Lamellen der Gebäudefassade eingearbeitet.